ARTISTAS DEL MURALISMO

MOVIMIENTO MURALISTA MEXICANO

El Muralismo Mexicano es uno de los géneros artísticos más distintivos de Amé

rica Latina. Tiene su origen en la Revolución mexicana de 1910, paralelamente al movimiento de transformación en México. Sin embargo, no es hasta 1921 cuando inicia formalmente el Movimiento Muralista Mexicano, año en que José Vasconcelos, uno de los principales intelectuales mexicanos, asumió funciones como Secretario de Educación Pública bajo el Gobierno del Presidente Álvaro Obregón, quien comisionó a distintos artistas a pintar una serie de murales en las paredes de la Secretaría Nacional y la Escuela Nacional Preparatoria. A partir de ese momento, la Escuela Muralista Mexicana comienza adquirir prestigio internacional no sólo por ser una corriente artística, sino por ser un movimiento social y político de resistencia e identidad, con imágenes a través de la diversidad de sus componentes estadísticos que retratan temas como la revolución, la lucha de las clases y al hombre indígena. Entre sus miembros, destacan David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Diego Rivera y Rufino Tamayo.

DAVID ALFARO SIQUEIROS

 (1896–1974).-Originario de Chihuahua, con solidas convicciones políticas a favor del arte público y monumental. Sus pinturas murales exaltan la vida del pueblo con influencias surrealistas y expresionistas al servicio de un exaltado combate político que lo define. Entre ellas se destaca “La Marcha de la Humanidad” del Poliforum Cultural Siqueiros de la Ciudad de México, que representa una gran metáfora sobre las luchas del hombre y la mujer a través de la historia; la búsqueda de una mejor sociedad para todos.

JOSÉ CLEMENTE OROZCO 

 (1883–1949).-Célebre muralista originario de Jalisco con formación como pintor autodidacta. Comienza su carrera a través del dibujo y la caricatura de tema social. Desde 1922 participa en México con Siqueiros y Rivera en los comienzos del movimiento muralista. Se traslada a vivir a EU en 1927 donde pinta importantes murales en diversas instituciones. Regresa en 1934 para seguir su movimiento con murales sobre temas mexicanos, pero sin el fuerte componente político de Rivera y Siqueiros. Uno de los más representativos es “Hombre de fuego”.

DIEGO RIVERA

(1886–1957).-Originario de Guanajuato, considerado una de las figuras claves de la plástica mexicana del siglo XX. De 1896 a 1902 estudió en la academia de San Carlos y trabajando en su taller tiene influencia de José Guadalupe Posada. Estudió pintura en Europa a partir de 1907 y regresó a México en 1921 para integrarse con un estilo de formas planas, simplificadas y decorativas en el movimiento muralista que narra la historia social y política de México. Entre sus murales importantes se encuentran los del Palacio de las Cortes de Cuernavaca, los de Bellas Artes en la Ciudad de México, en Detroit Institute of Arts o el del Rockefeller Center de Nueva York, que es destruido antes de que lo acabe por tener un retrato de Lenin.

RUFINO TAMAYO

 (1899 – 1991).-Originario de Oaxaca. Estudia en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Ciudad de México entre 1910 y 1919. Practica una temática alejada del sentido social y político de sus compañeros. Se interesa en trasmitir emociones a través del color y la forma, creando figuras de apariencia monumental sobre fondos de color opaco que ofrecen una especial profundidad. Algunos de sus murales más relevantes, son “Dualidad”, en el Museo Nacional de Antropología y “El nacimiento de la nacionalidad”en Bellas Artes.

MURALISMO

DEFINICIÓN

El muralismo mexicano es uno de los géneros artísticos más distintivos de América Latina. Con imágenes que retratan temas como la revolución, la lucha de las clases y el hombre indígena, este modo de expresión tuvo como sus principales exponentes a los tres grandes: Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco. Más que sólo una corriente artística, el muralismo fue un movimiento social y político de resistencia e identidad nacional y uno de los logros más destacados del arte público del siglo XX.

HISTORIA

El movimiento formalmente empezó en 1921 cuando José Vasconcellos, uno de los principales intelectuales mexicanos, asumió funciones como Secretario de Educación Pública bajo el gobierno del presidente Álvaro Obregón y comisionó a distintos artistas a pintar una serie de murales en las paredes de la Secretaría Nacional y la Escuela Nacional Preparatoria.

El muralismo, sin embargo, no surgió en un vacío y de hecho tuvo como antecedente la fuerte necesidad de encontrar un mecanismo de expresión auténticamente nacional. Entre las figuras que influenciaron el proceso se encuentra Enrique Murillo, o el Dr. Atl como se le conocía comúnmente, quien impulsó una exhibición de arte mexicano en 1910 en respuesta a una exhibición de arte español auspiciada por el gobierno de Porfirio Díaz que tuvo un fuerte impacto en muchos artistas y también ejerció un rol como mentor desde la Academia de San Carlos.

EXPONENTES

Diego Rivera

Rivera es uno de los pintores más importantes de la historia mexicana. Nació en Guanajuato en 1886 y a temprana edad comenzó a estudiar pintura. Su padre lo apoyó para que viajara a Europa, y gracias a una beca, conoció el trabajo de grandes referentes como Matisse y Renoir. Una vez que entró en contacto con los frescos, o murales característicos del Renacimiento hechos sobre capas delgadas de yeso, encontró su fuente de inspiración y regresó a su tierra natal.

Como dedicado marxista, su obra refleja preocupaciones respecto a el progreso tecnológico y el crecimiento de las industrias y el papel que ocupa la clase trabajadora en ese contexto. Rivera también tuvo una fuerte presencia en Estados Unidos e influenció el arte de ese país. Henry Ford lo contrató para hacer un mural en las paredes del Instituto de Bellas Artes de Detroit pero su fuerte retrato de la vida de los trabajadores de la planta le generó malestar a Ford. En 1933 los Rockefeller le comisionaron a Rivera un mural pero, siempre polémico, este incluyó una imagen de Lenin liderando protestas de trabajadores y, cuando Rockefeller insistió que lo sacara, se negó. Rockefeller lo consideró una ofensa personal, dio por concluido el trabajo y mandó a destruir la pintura.

José Clemente Orozco

Nació en 1883 en Ciudad Guzmán y en 1905 entró a estudiar en la Escuela de San Carlos donde, como muchos de su generación, fue fuertemente influenciado por el Dr. Atl. Durante la revolución apoyó las fuerzas de Venustiano Carranza como artista satírico en el periódico La Vanguardia liderado por Atl. Durante un periodo participó activamente de la creación de distintos murales en Mexico, pero con la reducción del apoyo gubernamental a este tipo de iniciativas, se fue a Estados Unidos donde pintó algunas de sus obras más renombradas en el New School for Social Research en Nueva York, en el Pomona College de California y en la Universidad de Dartmouth en New Hampshire. Una vez que adquirió mayor reputación, Orozco regresó a México y fue comisionado a pintar el mural "Katharsis" en el Palacio Nacional de Bellas Artes, asi como el impactante trabajo en el Hospicio Cabañas en Guadalajara que explora la relación entre las fuerzas indígenas y europeas presentes en México.

David Alfaro Siqueiros

Nació en Chihuahua en 1896 y tuvo una fuerte participación política desde muy joven. En 1913 se unió al Ejercito de Venustiano Carranza durante la Revolución Mexicana. Después de un tiempo fuera en Barcelona, regresó a México en 1922 donde pintó uno de sus principales murales, Los Mitos, en el patio de la Escuela Nacional Preparatoria. Su constante labor política lo llevó a la cárcel en varias ocasiones y a distintos períodos de exilio, e incluso, a luchar en contra de Franco en España. Uno de sus más famosos murales es la Marcha de la Humanidad pero él también trabajó pinturas.

Fuente:

http://americalatina.about.com/od/Culturas/a/El-Muralismo-Mexicano.htm

ARTE POPULAR

¿QUÉ ES EL ARTE POPULAR?

El arte popular abarca el arte producido a partir de una cultura indígena o campesino u otros comerciantes trabajando. En contraste a las bellas artes, el arte popular es principalmente utilitario y decorativo más que puramente estético. Arte Popular se caracteriza por un estilo ingenuo, en el que no se emplean reglas tradicionales de la proporción y la perspectiva. 

Como un fenómeno que puede crónica de un movimiento hacia la civilización aún disminuirá rápidamente con la modernidad, la industrialización o la influencia externa, la naturaleza del arte popular es específico de su cultura particular. La variada pre valencia geográfica y temporal y la diversidad de arte popular hacen que sea difícil de describir como un todo, aunque algunos patrones se han demostrado.

CARACTERÍSTICAS Y ELEMENTOS

Es característico que el arte popular no se ve influenciada por los movimientos en círculos académicos o bien de arte, y, en muchos casos, el arte popular excluye a las obras ejecutadas por artistas profesionales y vendidos como "gran arte" o "fine art" de mecenas de la sociedad. Por otro lado, muchos pintores americanos del arte popular del siglo 18 y 19 se ganaban la vida con su trabajo, incluyendo los retratistas ambulantes, algunos de los cuales producen grandes masas de trabajo.

Otros términos que se superponen con el arte popular son arte nave, arte tribal, arte primitivo, arte pop/arte popular, arte outsider, el arte tradicional, arte vagabundo, arte autodidacta, y el arte de la clase obrera/arte de cuello azul. Como era de esperar, estos términos pueden tener múltiples e incluso polémica connotaciones, pero a menudo se utilizan de manera intercambiable con el término "arte popular".

El arte popular expresa la identidad cultural mediante la transmisión de los valores comunitarios compartidos y la estética. Abarca una amplia gama de medios utilitarios y decorativos, como tela, madera, papel, arcilla, metal y más. Si los materiales tradicionales son inaccesibles, los nuevos materiales son a menudo sustituidos, dando lugar a las expresiones contemporáneas de las formas tradicionales del arte popular. El arte popular refleja las formas artísticas tradicionales de los diversos grupos de la comunidad - étnico, tribal, religioso, profesional, geográfica, edad o género en base - que se identifican entre sí y con la sociedad en general. Artistas populares aprenden tradicionalmente habilidades y técnicas a través del aprendizaje en contextos informales de la comunidad, aunque también pueden ser educados formalmente.

Fuente: http://campodocs.com/articulos-enciclopedicos/article_90209.html

http://definicion.mx/arte-popular/

EXPONENTES DE LAS BELLAS ARTES

EXPONENTE DE ESCULTURA

MIGUEL ANGEL

Michelangelo Buonarroti se desenvolvió en la arquitectura, escultura y pintura, siendo en esta el primer pintor italiano renacentista. A lo largo de más de sesenta años llevó a cabo su trabajo en lugares como Florencia y Roma, gracias a sus mecenas; (Los Médicis) y diferentes papas romanos quienes lo mantenían ocupado en encargos personales. La vida de Miguel Ángel ha sido retomada en películas, biografías y documentales, hablar de su vida sin duda es sumamente interesante.

Escultura, era la predilecta del artista y se puede constatar en el perfeccionismo de la elaboración de su obra, e incluso relató que después de haber crecido al lado de su familia nodriza había desarrollado el amor por la escultura…

La pintura fue: un gusto y a la vez llegó a ser casi una imposición del papa Julio II quien lo llevó a la creación de la bóveda de la Capilla Sixtina.

Capilla Sixtina: de acuerdo al encargo del papa Julio II, debía representar a los doce apóstoles pero Miguel Ángel se encargó de hacerla más amplia y compleja de tal manera que era una idea inspirada en la forma real de una bóveda, mientras que su interpretación de la biblia era neoplatónica y representó nueve escenas del Génesis, cada una incluía cuatro jóvenes desnudos, junto con doce profetas y sibilasLa escultura de David: fue un encargo del Gremio de lana, una empresa de gente adinerada, quienes le encargaron esculpir una estatua de “David” la cual representaría una nueva república en Florencia. Le fue ortorgado un bloque de marmol de 5.8 m. y le llevó tres años terminarla mientras que trasladarla de su taller al Palazzo Vecchio llevó 5 días.

EXPONENTE DE LA PINTURA

LEONARDO DA VINCI

Prototipo absoluto del hombre humanista del Renacimiento, Leonardo da Vinci ejercerá de pintor, escultor, ingeniero, músico, geómetra, teórico…un visionario cuya realidad no será marco adecuado para el desarrollo completo de su capacidad, siendo quizá ese el motivo por el que su figura ha llegado a la actualidad envuelta en un halo de misterio.

A pesar de la multitud de bocetos, análisis e investigaciones que Leonardo llevó a cabo en el terreno de la pintura, o quizá debido a este mismo hecho, lo cierto es que su producción en este campo no es excesiva (a lo cual habría que añadir el número de cuadros de atribución dudosa). Pocas, pero con categoría de obras maestras de la historia del arte; así podrían definirse sus pinturas, de entre las que cabría señalar tres en concreto.
La importancia que Leonardo concede al modelado, la composición y la luz escénica se puede apreciar en la Virgen de las Rocas, cuyos personajes aparecen envueltos por ese aire de misterio tan característico de la Gioconda. La gradación de la luz y el uso del difuminado posibilitan esa imprecisión en los contornos (que alejan ya el estilo de la nitidez quattrocentista previa), esa atmósfera de neblina propia del esfumato, la técnica pictórica creada por Leonardo y que puede apreciarse en otras obras, como la ya mencionada Mona Lisa (destacable es el contraste entre las zonas iluminadas y las oscuras, el empleo de un paisaje doble que influye en la percepción que el espectador obtiene de la figura, así como su enigmática sonrisa, susceptible de múltiples y diferentes visionados).

En lo que respecta a su famosa y deteriorada Última Cena, dicho fresco es destacable por el empleo de la iluminación y la composición que realiza, pero principalmente por la profundidad y diversidad de sentimientos y actitudes que Leonardo consigue registrar en cada uno de los personajes, conformando de esta manera una verdadera "galería psicológica".

EXPONENTE Y PADRE DE LA MUSICA 

JOHANN SEBASTIAN BACH

Organista y compositor alemán del periodo barroco. Fue uno de los más grandes y productivos genios de la música europeau cargo de director musical y jefe de coro en la iglesia de Santo Tomás y en la escuela eclesiástica de Leipzig no le satisfacía por diversas razones: tenía disputas continuas con los miembros del consejo municipal, y ni ellos ni el pueblo apreciaban su talento musical. Lo veían como a un anciano estirado que se aferraba a formas obsoletas de música. A pesar de ello, las 202 cantatas que nos han quedado de las 295 que compuso en Leipzig todavía se siguen escuchando, mientras que música que entonces parecía novedosa ha quedado en el olvido. La mayoría de las cantatas se inician con una sección de coro y orquesta, a ella sigue una alternancia de recitativos y arias para voces solistas y acompañamiento, y concluyen con un coral basado en un simple himno luterano La música está siempre muy ligada al texto, y lo ennoblece con su expresividad e intensidad espiritual. Entre estas obras destacan la Cantata de la Ascensión y el Oratorio de Navidad, formado este último por seis cantatas. Las Pasiones según san Juan y según san Mateo también están escritas durante el periodo de su estancia en Leipzig, al igual que su magnífica Misa en si menor. Entre las obras para teclado compuestas durante este periodo destacan las famosas Variaciones Goldberg, el segundo libro del Clave bien temperado y el Arte de la fuga, magnífica demostración de su conocimiento contrapuntístico, formada por 16 fugas y cuatro cánones, todos sustentados en el mismo tema. Bach comenzó a quedarse ciego el último año de su vida, y murió el 28 de julio de 1750, después de someterse a una fallida operación ocular.

EXPONENTE DE LA LITERATURA 

DANTE ALLIGHERI

 Poeta italiano. Si bien sus padres, Alighiero de Bellincione y Gabriella (Bella), pertenecían a la burguesía güelfa florentina, Dante aseguró siempre que procedía de familia noble, y así lo hizo constar en el Paraíso(cantos XV y XVI), en donde trazó un vínculo familiar con su supuesto antepasado Cacciaguida, quien habría sido armado caballero por el emperador Conrado II de Suabia.

     La influencia de la poesía trovadoresca y estilnovista sobre Dante Alighieri queda reflejada en su Vida nueva, conjunto de poemas y prosas dirigidos a Beatriz, razón de la vida del poeta y también de sus tormentos, y sus Rime Petrose, dirigidas a una amada supuesta, a la que escribe sólo para disimular ante los demás su verdadero amor. El juego poético-amoroso oscila entre la pasión imposible y la espiritualizada idealización de la figura de su amada, aunque las rígidas formas del estilnovismo adquieren una fuerza y sinceridad nuevas en manos de Dante.

El experimentalismo de los poemas de Dante Alighieri y la búsqueda consciente de un estilo propio culminarán finalmente en La Divina Comedia, una de las cumbres de la literatura universal. Escrita en tercetos, se resume en ella toda la cosmología medieval mediante la presentación del recorrido del alma de Dante, guiada primero por Virgilio y más adelante por Beatriz, en la expiación de sus pecados en tres cantos: el Infierno, el Purgatorio y el Paraíso. Con un lenguaje vívido y de gran riqueza expresiva, el poeta mezcla los elementos simbólicos con referencias a personajes históricos y mitológicos, hasta construir una equilibrada y grandiosa síntesis del saber acumulado por el hombre desde la Antigüedad clásica hasta la Edad Media.

EXPONENTE DE LA DANZA

MARIUS PETIPA

Nació el 11 de marzo de 1818 en Marsella. 

Hermano del también bailarín, Lucien Petipa, e hijo del bailarín y coreógrafo francés Jean Petipa, con quien estudió. 

Comenzó su carrera como primer bailarín en París y Burdeos. Realizó giras por Estados Unidos junto a su padre, después bailó y realizó coreografías en Madrid (donde aprendió danza española) y actuó frecuentemente con la bailarina austriaca Fanny Elssler. Viajó, en 1847 a San Petersburgo como primer bailarín del ballet del Teatro Imperial, donde se estrenó su primera coreografía en 1855. 

En 1862, y tras el éxito de su ballet La hija del faraón, fue nombrado primer maestro de ballet del Teatro Imperial. Planeó con el compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski la producción de El cascanueces. Entre sus trabajos destacan: Don Quijote (1869), La bayadera (1877), Raymonda (1898), con música de Chaikovski, La bella durmiente (1890) y El lago de los cisnes (1877; revisada en 1895, con la creación del II y IV acto por Ivanov). 

Marius Petipa falleció el 14 de julio de 1910 en Gurzuf, Crimea. 

EXPONENTE DEL CINE 

CHARLES CHAPLIN

Sir Charles Spencer Chaplin, KBE (Londres, 16 de abril de 1889 – Vevey, 25 de diciembre de 1977), fue un actor cómico, compositor, productor y director cinematográfico y escritor inglés mejor conocido por sus populares interpretaciones durante la época del cine mudo. Desde entonces, es considerado como una de las figuras más representativas del humorismo.

Reconocido por su popular personaje Charlot, se destacó en cine desde principios de la década de 1910 hasta los años 1950. Filmó alrededor de noventa películas, entre ellas Kid Auto Races at Venice (1914), La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940).

Fue uno de los cofundadores de la United Artists en 1919, junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David Griffith. Influenciado por el francés Max Linder, su carrera artística abarcó más de siete décadas y recibió un premio de la Academia en 1928. Candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, abandonó Estados Unidos tras una serie de polémicas que lo involucraron con el comunismo y con la realización de actividades antiestadounidenses.

En sus últimas décadas, sus trabajos disminuyeron pero se lo pudo apreciar en La condesa de Hong Kong y Un rey en Nueva York. Casado en cuatro ocasiones, sus hijos Geraldine, Josephine y Sydney Chaplin también se dedicaron al espectáculo. En 1972 se le otorgó el premio Óscar Honorífico y en 1975 fue nombrado Sir por la reina Isabel II. Murió en la temporada navideña de 1977.   

                              EXPONENETE DE LA ARQUITECTURA  

                                      RICHARD MEIER      

     Arquitecto estadounidense de origen judío. Nació en Newark, en el estado de Nueva Jersey. Estudió arquitectura en la Universidad Cornell y a continuación trabajó en varios despachos de arquitectos, hasta  1963 que abrió su propio estudio. Meier concede siempre la misma importancia a la claridad de líneas, a la armonía, a los espacios y a la luz. La organización de sus edificios se basa en tramas geométricas que obedecen a condicionantes de su entorno, y le ayudan en el ordenamiento de los espacios interiores y exteriores. En su mayoría, los edificios de Meier son blancos, el color que considera el más puro ya que reúne a todos los demás y va cambiando de tonalidad durante el día. Según Meier, Le Corbusier ha ejercido una gran influencia sobre él, al igual que Frank Lloyd Wright. No obstante, considera que la arquitectura es una disciplina que se encuentra en un continuo flujo, por que va cambiando con el paso de los años y los arquitectos marcan estilos que influencian a los demás. Entre sus obras más importantes esta el Centro Experimental Bronx de Nueva York (1970-1977), Museo de Artes Decorativas de Frankfurt (1979-1984), Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (1990-1992). En 1984 recibió el premio Pritzker de arquitectura, en 1989 la Medalla de Oro del Instituto Real de Arquitectos Británicos, en 1992 fue nombrado comendador de las Artes y las Letras por el gobierno francés y en 1997 recibió la Medalla de Oro de la Asociación Internacional de Arquitectos (AIA). Recientemente ha proyectado el edificio federal de Phoenix y la iglesia del Año 2000 en Roma.

FUENTES:   http://arte.linio.com.mx/novedades/datos-curiosos-miguel-angel-buonarroti-el-divino/ 

             http://www.arteespana.com/leonardodavinci.htm
 http://www.epdlp.com/compclasico.php?id=948

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/dante.htm

http://educacion.uncomo.com/articulo/cuales-son-las-7-bellas-artes-24355.html

HISTORIA DEL CINE

El cine, como medio de captación del movimiento y forma de narración, tiene unos antecedentes lejanos en la historia. Los primeros intentos del hombre por captar el movimiento y plasmarlo en una representación artística se remontan a las pinturas rupestres (1) y a las sombras chinescas (2).

Las primeras representaciones plásticas narrativas están presentes en el arte egipcio, griego, asirio y romano, como es el caso de la Columna de Trajano (3) donde se narra de forma visual la conquista de la Dacia por el emperador romano.

Puesto que el desarrollo de la cronofotografía permitirá descomponer el movimiento en fracciones fotográficas mínimas, ahora queda tan sólo recomponerlo a través de la proyección sucesiva de aquellas fotografías sobre una pantalla. Gracias a la persistencia retiniana, el ojo humano percibe esa sucesión de imágenes como un movimiento continuado. Se trata pues de la combinación del principio de la linterna mágica de Athanasius Kircher y de un dispositivo que permita el arrastre intermitente de la película. Otro invento que hace posible la aparición del cine es la película de celuloide (11) que, al ser flexible, resistente y transparente, y por admitir las perforaciones necesarias para el arrastre, será el soporte utilizado desde entonces. Una vez avanzadas las investigaciones, el principal problema ocasionado por la película de celuloide es el derivado de su condición altamente inflamable.

El panorama del cine que va desde el año veinte hasta los años inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial es en extremo variado.

Dos hechos capitales vinieron a alterar substancialmente la marcha del cine durante esta verdadera edad de oro. Primero Francia perdió su hegemonía en la producción mundial de películas, siendo desplazada por EE.UU., país que transformó el arte fílmico en una industria de colosales proporciones, Hollywood dominó sin contrapeso los mercados internacionales, consolidándose como el mayor centro cinematográfico del mundo y atrayendo como un imán a los mejores directores y actores del globo, que fueron contratados con honorarios fabulosos.
Y en la misma "Meca del cine" surgió durante este período el cine "sonoro", el acontecimiento más trascendental ocurrido en el cinematógrafo desde su invención. Su aparición marcó el fin de una etapa y el comienzo de otra técnicamente mucho más perfecta y que vinculó más aún el cine con la realidad.

Hacia fines de la década del veinte el cine sonoro hizo su triunfal aparición, imponiéndose definitivamente. 

En Italia el "séptimo arte" tuvo un florecimiento verdaderamente espectacular gracias al talento y la ambición de algunos cineastas que supieron encontrar una fórmula nueva que, por un lado, dejara satisfechas las exigencias espirituales del público más culto y, por otro, las de las masas menos instruidas. Vittorio De Sica, Roberto Rossellini, Luchino Visconti, Luigi Zampa, Giuseppe de Santis y Carlo Lizzand, surgidos a principios de la década del cuarenta, continuaron produciendo excelentes filmes hasta el día de hoy. Junto a ellos, los más recientes: Federico Fellini, "La Dolce Vita" (1959), y Michelangelo Antonioni, "Eclipse” (1962), han llevado en estos últimos años a la cinematografía itálica a un sitial de privilegio en el mundo.

Dado que el cine en sí llegó a la madurez durante el período modernista (entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial), toda película tiene un elemento "moderno" en términos de este período de tiempo. Como movimiento, el modernismo ha rechazado en gran parte las formas realismo, el sentimentalismo y otras expresiones que eran muy populares en el siglo 19 y pone un mayor énfasis en la subjetividad y en el uso de efectos para crear imágenes que no necesariamente reflejan la experiencia real. Aunque este término se utiliza con mayor frecuencia para la literatura y el arte, el cine también presenta muchos elementos modernistas.

FUENTES:http://www.razonypalabra.org.mx/anteriores/n46/lzavala.html

http://www.librosmaravillosos.com/historiacine/capitulo01.html

MODELO DEMOCRATICO CORPORACIONES DEMOCRATICAS

INTRODUCCION

La expansión del modelo democrático en vastas regiones del planeta es, sin duda, uno 
de los fenómenos políticos más sobresalientes del último cuarto de siglo. La transformación 
de muchos sistemas autoritarios o totalitarios en regímenes pluralista-constitucionales, a 
través de la consolidación de procesos de transición a la Democracia, ha marcado en forma 
significativa la época en que vivimos. 

México, por su parte, no ha permanecido ajeno a ese fenómeno. Aunque nuestro 
proceso de cambio del autoritarismo hacia el modelo democrático ha sido ajustadamente largo, 
con frecuencia vacilante y no pocas veces contradictorio, hoy en día la transición definitiva del 
país a la Democracia aparece ya no sólo como un requerimiento social apremiante y un 
escenario político altamente deseable, sino que también se vislumbra al fin como un horizonte 
genuinamente viable. 
Pero entre nosotros la consolidación del proceso de transición a la Democracia dista 
mucho de ser una realidad plena -acaso se abre paso- ; y la transformación del país en un 
régimen pluralista-constitucional está lejos de haberse concluido -de hecho apenas da 
comienzo-. Por ello, precisamente, resulta urgente estudiar y valorar alternativas que 
contribuyan al fortalecimiento de ambos esfuerzos y, en este sentido, el Derecho tiene un reto 
verdaderamente singular: diseñar mecanismos normativos que contribuyan a la 
implantación definitiva y a la profundización de las instituciones democráticas. 

MODELO DEMOCRATICO EN MEXICO

La Democracia representa, por definición, el ejercicio del poder público por el pueblo. 
Por ello, el diseño y la implementación de instrumentos jurídicos que permitan una mayor 
participación de la ciudadanía en la toma de decisiones del Estado, puede tener un impacto 
directo en el desarrollo de estructuras normativas y de prácticas de gobierno más acordes con 
las aspiraciones democráticas. 
De la confrontación de las normas relativas a la forma de gobierno dentro del sistema 
constitucional mexicano, con sus correlativas en las Leyes Supremas de las naciones europeas 
y americanas a que hemos hecho referencia, saltan a la vista el desarrollo y la consolidación 
que las instituciones de la Democracia semi-directa presentan en todas las naciones salvo, por 
supuesto, en la nuestra. 
Adicionalmente, la experiencia operativa de dichas figuras en diversos países nos indica que la iniciativa popular el referéndum y el plebiscito se han convertido en elementos eficaces mediante los cuales los regímenes pluralistas constitucionales más avanzados han logrado ampliar la democracia y fortalecer el estado del derecho.

CORPORACIONES DEMOCRATICAS

Varios son los mecanismos mediante los cuáles el régimen democrático representativo 
permite la implementación de esquemas de Democracia semi-directa. Entre éstos destacan -
particularmente- la iniciativa popular, el referéndum y el plebiscito. A continuación 
precisaremos los significados de tales vocablos. 
Mediante la iniciativa popular y el referéndum el pueblo participa sin intermediarios 
en el proceso de creación de normas jurídicas, colaborando con el legislador ordinario en la 
formulación de leyes y con el Poder Constituyente en las reformas a la Carta Suprema. 
El primer mecanismo puede ser definido como: “un procedimiento... por el que los 
ciudadanos tienen la posibilidad de proponer textos de ley a sus representantes o a la 
colectividad en su conjunto”vi. Las normas jurídicas prevén, frecuentemente, que la propuesta 
legislativa debe ser presentada por un porcentaje del cuerpo electoral o por un grupo de 
ciudadanos, pudiendo consistir en un proyecto de ley específico o bien en la solicitud genérica 
para que el Poder correspondiente regule alguna materia. 
El referéndum, por su parte, es conceptualizado como “el derecho del cuerpo electoral a 
aprobar o a rechazar las decisiones de las autoridades legislativas”. Según la naturaleza de 
su convocatoria, la ratificación de la ciudadanía puede ser un requisito determinado por las normas jurídicas en cuyo caso se habla de referéndum “obligatorio”; o bien ser opcional, 
revistiendo entonces el carácter de “facultativo”. De acuerdo a los efectos de la votación, es 
factible que el referéndum sea “de sanción”, si es necesaria la aprobación popular para que la 
disposición entre en vigor; o “de consulta”, cuando la voluntad expresada en las urnas no 
vincula a las autoridades. 
Finalmente podemos apuntar al plebiscito. Aunque algunos autores identifican esta 
institución con el referéndum, un buen número de ellos alude a diferencias conceptuales entre 
ambos mecanismos. En este trabajo hemos preferido adoptar la segunda postura toda vez 
que, a nuestro juicio, permite tener una noción más clara y más precisa de dichas figuras 
político-jurídicas. Así las cosas, el plebiscito se define como una votación popular que “no 
gira en torno a un acto legislativo, sino a una decisión política” o, más genéricamente, como 
“una votación sobre temas de relevancia popular.

CONCLUSION

Como podemos ver la democracia es un concepto indefinido en México pues a lo largo del tiempo ha abarcado muchas discusiones y reformas tal y como lo vemos hoy en nuestra constitución, incluso podría decidirse que aún no tenemos un modelo democrático bien definido pero creo que ningún país ha construido, al igual que México, los cimientos necesarios para conservarla.